Rehabitar Madrid: el ladrillo que sí genera actividad | Compañías

La construcción se recompone poco a poco de los escombros a los que quedó reducida durante la crisis económica y financiera en España. Un sector cuya actividad representaba más del 10% del PIB y que ha llegado a caer a la mitad, fruto del estallido de una burbuja inmobiliaria que se llevó por delante millones de empleos y miles de compañías.

En esa paulatina recuperación, aún lejos de los niveles precrisis, el segmento de la reforma y la rehabilitación de viviendas y edificios supone un impulso determinante. Según los datos de la Asociación Nacional de Distribuidores de Cerámica y Materiales de Construcción (Andimac), la reforma del hogar representa el 80% de la actividad de la construcción en España. El año pasado se movieron 15.200 millones de euros en reformas y rehabilitaciones, y según las previsiones de la citada asociación, se espera que la cifra esté por encima de los 16.100 millones de euros en dos años. En Madrid, en 2016, fue de 1.884 millones de euros, cantidad que este año alcanzará los 1.989 millones de euros, según el Observatorio 360º de la vivienda y la reforma en el hogar realizado por la consultora Arthursen para la propia Andimac.

Y es en Madrid, en la céntrica plaza de España, donde se celebra desde hoy la feria Rehabitar Madrid, Espacio para la Reforma y Rehabilitación de tu Vivienda, organizada por Ifema, donde 90 empresas, entidades y organismos darán a conocer a los vecinos de la capital las mejores ideas para la reforma y rehabilitación de la vivienda. Una edición con carácter especial fruto del acuerdo de Ifema y el área de Gobierno de Desarrollo Urbano Sostenible del Ayuntamiento de Madrid, gracias al cual también se informará sobre el conjunto de medidas adoptadas por el consistorio para mejorar las condiciones de accesibilidad, conservación y eficiencia energética de las casas, así como su estrategia para establecer un nuevo modelo de ciudad.

La feria está compuesta por un espacio expositivo de acceso gratuito, con las últimas soluciones en ventanas, suelos, puertas, materiales de construcción, ascensores, climatización, iluminación o domótica, a las que se sumará la oferta de empresas de reformas, interiorismo, entidades financieras, organismos y asociaciones. En paralelo, se llevará a cabo una amplia programación de acciones divulgativas, que pretenden servir de concienciación a los vecinos de Madrid sobre los objetivos y beneficios de la reforma y rehabilitación de edificios, espacios y hogares con criterios de confort, ahorro, eficiencia y accesibilidad.

Una actividad en torno al mundo de las reformas que se extenderá hasta el domingo.

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Cultura: La arquitectura, la estrella de Hay Festival en Segovia | Fortuna

Grandes nombres de la literatura, el arte y la arquitectura se dan cita desde este fin de semana, y hasta el próximo domingo 24, en Segovia. El Hay Festival, bajo el lema Imagina el mundo, da el pistoletazo de salida, consolidándose en su duodécima edición como una de las citas culturales más importantes del año, en la que también pondrán su voz representantes del mundo de la empresa, la ciencia, la política y la Administración Pública.

En la inauguración participarán el secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo, el embajador del Reino Unido en España, Simon Manley, el presidente de IE University, Santiago Iñiguez, así como la alcaldesa de Segovia, Clara Luquero, y el director general de Renfe Viajeros, Ramón Azuara. A partir de ahí, una semana repleta de actividades culturales que situarán a la ciudad castellana en el punto de mira cultural de España.

El festival comenzará con el debate Voces Libres: ¿Qué esperar del futuro?, que reunirá en IE University a expertos del ámbito de la ciencia, la geopolítica y la gestión del cambio, tales como la directora de Es Global, Cristina Manzano, o el científico Manuel Menéndez. A continuación, se inaugurará la muestra Escuchar también es leer, pensada para descubrir el nuevo mundo de los audiolibros de la mano de Storytel, la principal plataforma de estas herramientas en Europa, que sumergirá a los asistentes entre pasajes, citas y capítulos de autores, como Richard Ford, Manuel Vilas y Ray Loriga, también presentes en otras actividades del encuentro. El viernes 22 les tocará el turno a la escritora Dolores Redondo, autora de la trilogía del Baztán y ganadora del Premio Planeta 2016 por la novela Todo esto te daré, y a la escritora franco-marroquí, Leila Slimani, premio Goncourt 2016 y uno de los máximos exponentes del feminismo literario.

Las escritoras Dolores Redondo y Leila Slimani son los platos fuertes del viernes

No serán los únicos nombres conocidos. Lorenzo de Medici, descendiente directo de los familia de mecenas renacentista, y escritor y periodista, conversará el día 23 con Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Los escritores Antonio Muñoz Molina, Javier Marías y el poeta Jay Bernard también participarán en las sesiones posteriores; así como el historiador Paul Preston, junto al editor Miguel Aguilar, de la editorial Debate.

Fernando Aramburu, autor de 'Patria'.
Fernando Aramburu, autor de ‘Patria’.

Pero el festival ha querido reservar a otros grandes nombres para cerrar la presente edición por todo lo alto. El simposio centrado en torno a La lengua de los dioses: Nueve razones para amar el griego, el éxito de ventas firmado por Andrea Marcolongo, a la que acompañarán Sergio del Molino y Toño Fraguas, es otra de las apuestas de los organizadores. No menos que la jornada en la que intervendrá el escritor de uno de los títulos del año, Patria, Fernando Aramburu, al que acompañará Ben Okri, autor de El camino hambriento.

En esta edición, el festival se ha propuesto abordar el futuro de las ciudades, y el protagonismo también se lo lleva la arquitectura. Uno de los platos fuertes será el debate entre Richard Rogers, barón de Riverside, arquitecto inglés, premio Pritzker en 2007 y autor de la Terminal 4 de Barajas, y Marta Thorne, directora ejecutiva de los Pritzker y decana de IE School of Architecture & Design, en el que abordarán su particular visión de las urbes contemporáneas. Sobre ello también hablarán Deyan Sudjic, director del Design Museum de Londres, y los arquitectos Laszlo Baan y Sou Fujimoto, que disertarán sobre la convivencia de la cultura con su entorno, centrándose en el caso concreto de Budapest.

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Lo que no puedes perderte de la comarca del Campo de Belchite | Viajes

Entrada al Pueblo Viejo de Belchite, destruido por la Guerra Civil en 1937.

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Arquitectura, ‘mindfulness’ y líderes reales | Fortuna

La aldea global está cambiando a ritmo muy acelerado. Los tiempos de crisis son momentos de cambio. Estamos enfrentando un cambio de paradigma. Hasta ahora las organizaciones estaban creadas por fundadores y sus trabajadores se sometían a las estructuras de decisión y poder. Pero ahora muchas personas han iniciado sus propias organizaciones porque son emprendedores que han empezado a impregnar sus principios y valores sociales. Por lógica, queremos pensar que sus decisiones analíticas, razonables e intuitivas deberán ser muy diferentes de algunas organizaciones clásicas orientadas a especular a corto plazo.

Hace ya más de 2.500 años que la mirada budista de la vida propone la práctica de la plena consciencia y cultivar el ser positivo de la persona. El mindfulness, o atención consciente, es una práctica budista que cualquier persona puede iniciar para conocer mejor su realidad y descubrir su sabiduría.

La principal utilidad de mindfulness en el contexto laboral es promover el desarrollo personal, la salud emocional, el desempeño profesional y el liderazgo consciente para generar y construir nuevas empresas sostenibles desde todos los puntos de análisis (ético, emocional, social y económico) dirigidas por líderes auténticos. Por esta razón, no es de extrañar que grandes empresas como Singapore Airlines, Google, Amazon, eBay, Hwelett Packard dispongan de equipamientos y espacios para que sus empleados puedan relajarse y meditar durante la jornada.

Las diferencias entre líderes que nos han conducido a las distintas crisis financieras sobre hipotecas subprime y dominio de Wall Street especulador por ausencia del yo interior, con líderes cuya presencia del yo interior auténtico está presente, es muy notable. Mientras que los transfieren responsabilidades; tienen un sentido de orden vertical; poseen una motivación extrínseca enfocada a la recompensa económica; ejercen roles de burocracia y control y compiten dentro de la empresa, los segundos distribuyen la responsabilidad a los trabajadores; defienden la integración horizontal; gozan de una motivación intrínseca del proyecto; gozan de la pasión y orgullo de pertenencia y defienden el compromiso y la cooperación.

Bellas artes y gestión empresarial

SECCIÓN ELABORADA POR PROFESORES DE ESADE QUE ANALIZA DIFERENTES RAMAS DE LAS BELLAS ARTES BAJO LA ÓPTICA DE LAS LECCIONES QUE PUEDEN EXTRAERSE PARA EL MANAGEMENT.

Una sincera recomendación es cambiar la estrategia porque los resultados y las experiencias son positivas. Es imprescindible transformar la visión de los tiempos de crisis en espacios de oportunidades y para ello es necesario que los visionarios emprendedores se conviertan en los propietarios de esta transformación.

Por un lado, porque los emprendedores construyen y desarrollan las nuevas organizaciones. Y por otro, porque los tiempos de crisis están bajo el influjo de Cronos (cantidad) mientras que las oportunidades de transformación lo están bajo Kairós (calidad), y nadie mejor que los visionarios emprendedores para interpretar y gestionar el valor del significado de los Dioses del Tiempo griegos.

Kairós nos permitirá el análisis ético, emocional, social y económico con las prácticas de mindfulness inspiradas en un entorno de paz, silencio y concentración. Y nada mejor que la influencia de espacios arquitectónicos únicos, emblemáticos, pero sobre todo, inspiradores, que faciliten la reflexión interior con el objetivo de tomar decisiones correctas en la vida profesional y personal.

Los emprendedores son los que van a progresar por su mejor disposición del su yo interior. Se han atrevido a salir de su zona de confort porque están interesados en nuevas iniciativas. Personajes ilustres como Antoni Gaudí, Eusebi Güell y Josep María Jujol experimentaron la misma actitud al tomar la decisión de romper con los cánones tradicionales que dominaban la arquitectura del siglo XIX en España y construir los espacios modernistas más famosos que actualmente decoran Barcelona y sirven como fuente de inspiración a millones de personas. El Parc Güell, la Sagrada Familia, la Casa Milà, la Casa Batlló o la Casa Vicens son reflejos de la plenitud artística y espiritual que el ser humano puede alcanzar, obras que representan a líderes con presencia del yo interior.

Necesitamos líderes conscientes. Los líderes deberán desarrollar la inteligencia de sus socios para tomar decisiones clave para cambiar del antiguo paradigma basado en la codicia individualista, con decisiones a corto plazo, a un nuevo paradigma de interdependencia, cooperación y con pasión social.

Ceferí Soler es profesor del departamento de gestión de personas de Esade

Decía el filósofo alemán Martin Heiddeger que construir es habitar; y que el habitar es la manera que tenemos de estar en la tierra como mortales. Visto así, puede que la arquitectura sea consustancial a la vida humana: siempre hemos construido, no solo estructuras para el refugio y el cobijo o el almacenamiento de objetos de valor, sino también monumentos a líderes, tumbas para los muertos, templos para los dioses y edificios para la vida pública, entre tantas otras estructuras posibles con funciones y significados distintos. 

Como disciplina artística se hace necesaria en ella una estrecha cooperación entre las ideas estéticas y el ingenio técnico para dotar de forma y materialidad a proyectos, edificios y monumentos, armónicos con el entorno y perdurables en el tiempo.

En occidente, la arquitectura vivió su primera etapa de esplendor en la Antigua Grecia, en la que era concebida como una seña de identidad para la civilización, cuyo lugar era la polis, la ciudad. Sus construcciones reflejaban la búsqueda de la belleza y la armonía y el desarrollo de un pensamiento estético. Después de eso, la historia de la arquitectura traza un recorrido por el origen, el desarrollo y el declive de numerosos estilos arquitectónicos y los avances científicos y tecnológicos que han prevalecido en distintas regiones y épocas, y que han dejado huellas materiales, como un correlato o un reflejo de los grandes momentos de la historia de nuestra civilización.
u Entre los siglos XIX y XX, la Revolución Industrial –que comportó cambios sociales y culturales, así como la introducción de nuevas tecnologías, materiales y métodos de producción en serie– y las Guerras Mundiales –los bombardeos y la destrucción de ciudades y edificios históricos– fueron puntos de inflexión para la evolución de la arquitectura.

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Vctor Ullate: «En Rusia se va al teatro como aqu al ftbol» | Viajes

El artista Vctor Ullate estrena ‘Carmen’ en los Teatros del Canal de Madrid.

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Liderazgo: La fotografía enseña a liderar | Fortuna

La fotografía es un arte relativamente joven. Nació justo antes del cine y después de todas las artes clásicas. Es la responsable de la entrada en la modernidad del arte visual, un verdadero elemento disruptivo que obligó a los pintores a buscar nuevos caminos, procedentes de su mundo interior, para dar forma a una realidad que la fotografía describía ya mejor que cualquier pincel.

La llegada de este fenómeno a las artes se asemeja a la situación actual de la gestión y del liderazgo, cuando las prácticas establecidas durante décadas se ven cuestionadas por la llegada de elementos nuevos. La fotografía fue una revolución porque logró trasladar sus enormes ventajas y combinarlas con las nociones aprendidas durante siglos de historia y trabajo, como los estudios sobre la perspectiva, la luz o el color. Vivimos en un mundo cambiante en el que es necesario aportar algo nuevo y personal si uno quiere garantizarse un futuro de éxito. En este mundo volátil e inestable, la fotografía nos enseña a tomar distancia, a analizar, inmortalizando el particular para intervenir en lo general.

En primer lugar, de hecho, la fotografía nos obliga a tener una visión, un enfoque y una mirada de conjunto muy clara desde la cual localizar un detalle particular sobre el que centrar la atención y, sobre todo, la acción. Es un ejercicio constante de focalización, en función del cual, antes de actuar en cualquier dirección, es necesario tener claro un objetivo y un medio eficaz para lograrlo.

Podríamos esperar sentados durante días a que se presente el sujeto perfecto para nuestra foto, pero la realidad es que no tenemos todo el tiempo necesario y debemos crear las condiciones para sacar la instantánea soñada. La fotografía nos enseña a ser flexibles, a cambiar de marco y de escenario si la porción de realidad que vemos no nos convence. Esta es una época que requiere rapidez de movimiento y adaptabilidad. Debemos estar listos para sacar la imagen en todo momento, ya que es muy probable que el tren tarde en volver a pasar. También debemos tener paciencia y capacidad para esperar a que maduren los frutos del trabajo de preparación.

Bellas artes y gestión empresarial

SECCIÓN ELABORADA POR PROFESORES DE ESADE QUE ANALIZA DIFERENTES RAMAS DE LAS BELLAS ARTES BAJO LA ÓPTICA DE LAS LECCIONES QUE PUEDEN EXTRAERSE PARA EL MANAGEMENT.

Este nivel de flexibilidad y adaptabilidad, además de paciencia, solo se puede alcanzar a través de un perfecto dominio del medio. Debemos conocer perfectamente todas las características de nuestra cámara, las lentes, los objetivos, cómo se comporta con luces diferentes, tenemos que mantener las baterías cargadas y saber cómo responde nuestra tacto. En definitiva, estar preparados. Probar y experimentar, permitiéndonos equivocarnos hasta alcanzar lo deseado. Una vez adquirido el conocimiento necesario, entonces podremos olvidarnos de todo y dar rienda suelta al instinto y la improvisación, que muy a menudo marcan la diferencia.

El conocimiento no debe ser solo de carácter técnico y referirse a nosotros mismos. Necesitamos conocer nuestro entorno y nuestros objetivos. El silencio y la escucha activa de las personas, conocerlas en profundidad, comprenderlas en fin, nos permite dibujar retratos que detecten la verdadera esencia, notar los detalles y apreciar elementos que parecían estar escondidos. Para fotografiar un rostro debemos sentir empatía con la persona y con su historia, tenemos que entender a quién nos enfrentamos, ponernos en sus zapatos, solo así saldrá un retrato fiel.

A veces, incluso las cosas más mundanas pueden abrir perspectivas profundas e inesperadas. Debemos aprender a fijarnos en los pequeños detalles que componen el cuadro principal. Para esto, es necesario también entender la potencia de los símbolos y comprender el valor de la comunicación. Un pequeño detalle, una mirada, un gesto, pueden comunicar mucho más que mil palabras y fijar recuerdos que marcarán la evolución de una relación o de un negocio.

La fotografía es un gesto artístico, pero también de comunicación, y comunicar es una actividad plural. Aunque salgamos solos a sacar fotos, debemos recordar que a través de nuestros ojos pasará la mirada de muchas otras personas y que todo será visto desde múltiples perspectivas. Hay ángulos y dimensiones diferentes para todo y solo si estamos lo suficientemente abiertos para explorarlos, elegiremos los correctos para cada situación. Esta apertura mental, precisamente, es la base de la influencia, la verdadera ventaja competitiva del liderazgo de nuestra época.

Andrés Raya es profesor de dirección general y estrategia de Esade

Introducción histórica

El inventario fotográfico comenzó en 1839 y desde entonces se ha fotografiado casi todo, o eso parece. Así relataba Susan Sontag, en su libro Sobre la fotografía, el inicio del arte. Fueron Nicéphore Niépce y Louis Daguerre quienes consiguieron fijar por primera vez las imágenes de la camera obscura de manera permanente. Luego fue William Henry Fox Talbot quien sustituyó las placas de metal por el papel como soporte fotográfico y, en la década de 1880, George Eastman creó el rollo de película flexible y la primera cámara Kodak. La cámara de 35mm fue creada en 1913 por Oskar Barnack y más adelante, en 1936, la fotografía en color tuvo difusión comercial con la película Kodrachrome.

Alrededor de 1930, Henri-Cartier Bresson y otros fotógrafos empezaron a usar cámaras pequeñas de 35mm para capturar imágenes de la vida, en lugar de retratos de estudio. Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundia,l en 1939, muchos fotoperiodistas adoptaron este estilo. Los retratos posados de los soldados de la Primera Guerra Mundial dieron paso a imágenes gráficas de la guerra y sus consecuencias.

Al mismo tiempo que las cámaras de 35mm se estaban volviendo más asequibles y populares, Polaroid lanzó al mercado su Modelo 95, que contaba con una tecnología y un proceso químico que permitían desarrollar la película dentro de la cámara en menos de un minuto. En 1975, el campo de la fotografía se transformó una vez más con la introducción de una cámara digital y, en 1981, Sony creó la primera cámara sin película.

La última encarnación de la camera obscura se encuentra en el smartphone. La tecnología móvil permite la proliferación de cámaras, la producción masiva y ubicua de las imágenes, y su circulación global instantánea. Con la digitalización se empieza a hablar de post-fotografía.

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Paisajismo: El jardín, la última baza para humanizar las sedes corporativas | Fortuna

Que las empresas han hecho a lo largo de los últimos años una apuesta firme por remodelar sus sedes no es nada nuevo. Espacios abiertos, salas comunes y oficinas en las que la luz solar cobra protagonismo invaden el interior de los edificios de las grandes compañías. Pero, ¿qué ocurre con lo que queda fuera? Es aquí donde ha comenzado a ganar peso el paisajismo, una profesión con poca tradición en España, pero que en los últimos 20 años ha evolucionado a pasos agigantados.

“Nos dedicamos a diseñar los jardines y zonas verdes de sedes corporativas, hoteles, resorts y viviendas particulares”. Quien habla es Jesús Ibáñez, paisajista español y uno de los profesionales del sector con más prestigio tanto dentro como fuera del país. Ha diseñado, entre otros, zonas verdes y jardines para Banco Santander, BBVA, Barceló Hoteles & Resorts, Prada y NH Hoteles. A la lista se le suman otras muchas grandes empresas, campos de golf y encargos de particulares para sus propias viviendas. “El paisajismo es una herramienta estética, y por lo tanto, comunicativa. No hay una segunda oportunidad para la primera vez, y contribuimos a que la primera toma de contacto con un edificio o espacio sea positiva, agradable”, cuenta.

Desde hace varios años, muchas empresas han contratado los servicios de arquitectos de autor y de cierto prestigio para remodelar o levantar de la nada sus sedes. Sin embargo, prosigue Ibáñez, estos profesionales en su gran mayoría suelen olvidarse de los jardines y las zonas verdes, no porque no reserven un espacio a ellos, sino porque los descontextualizan del resto del diseño o no les dan el mismo valor que al resto del complejo. “Desde hace relativamente poco esa tendencia está cambiando, y las organizaciones suelen reservar, además de un espacio físico para sus jardines, un presupuesto más elevado para levantarlo. A partir de ahí es donde nosotros empezamos a trabajar”.

Lo más importante, desarrolla Ibáñez, es que el jardín esté en perfecta consonancia con el edificio al que acompaña, con su estilo y su arquitectura. Con él coincide otro afamado paisajista, Javier Mariátegui, cuyos trabajos, aunque también a empresas, se destinan en mayor medida a viviendas y palacetes particulares: “Un deseo común de todas las compañías que estrenan sede es que el espíritu y valores de la empresa se vean reflejados en el edificio. Lo mismo tenemos que hacer con el jardín”, asegura este experto, al que le gusta trabajar a caballo entre los métodos técnicos y la intuición, lo racional y lo artístico. “Si aplicas la misma regla para todos los jardines, no habría diferencia entre ellos, y cada cliente necesita una distribución, unas plantas, unos colores y una saturación”.

El jardín debe estar en perfecta consonancia con el edificio al que acompaña

Con el jardín, además de un mensaje estético hacia los clientes, que ven un espacio cuidado y bien diseñado al llegar al lugar, la empresa también logra incentivar a sus propios trabajadores. “Ya no se piden espacios para que los empleados bajen a fumar, sino lugares en los que puedan relajarse, comer o incluso seguir trabajando, y eso, con los jardines, es mucho más fácil de lograr”, insiste Jesús Ibáñez. Fueron las empresas de Estados Unidos las que tomaron la delantera en este sentido, con microclimas, espacios multifunción y difusores para que la gente estuviese fresca en entornos húmedos. “Ahora cada vez más compañías empiezan a demandar estos servicios para cuidar al empleado y hacer buen uso del espacio. Para humanizar la empresa”, prosigue.

Eso sí, no está de más recordar que este tipo de proyectos conllevan una inversión fuerte. “Los jardines bien equipados y diseñados pueden superar los 200 euros el metro cuadrado, y a ello hay que añadirle los futuros cuidados, el riego…”, describe Ibáñez. No hay que olvidar que, ya sea por estrategia comunicativa o de recursos humanos, una inversión que se abandona y se descuida más adelante, tendrá consecuencias negativas. “Debemos tener en cuenta que hablamos de un espacio que si se descuida lo más mínimo, se estropea rápidamente”, recuerda Javier Mariátegui, quien cuenta una de las fórmulas de las que se sirve para que esto no ocurra: “Cuando trabajo con una empresa, intento que los empleados planten un árbol o una planta, así se sienten más unidos al espacio y lo sienten como suyo”.

El bosque en la ciudad

Menos césped y más árboles. Jesús Ibáñez, paisajista con cerca de tres décadas de trabajo a sus espaldas, explica que la última tendencia de las empresas es ocultar la ciudad. “Se va hacia lo natural, a traer el bosque a la urbe y a dejar de lado el césped y las flores y comenzar a llenar todo de árboles”. Estos espacios se utilizan para comer, para evadirse del trabajo e incluso para hacer la presentación de productos. Por eso, cuanto más diferentes sean a las ciudades, más les gusta a los clientes.

 

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Guitarras: Conde: “Leonard Cohen y Paco de Lucía fueron los clientes más fáciles” | Fortuna

Si los instrumentos musicales estuviesen tan valorados como los artistas que los tocan, las guitarras Felipe Conde serían tan conocidas como Paco de Lucía, Lenny Kravitz, Leonard Cohen, Cat Stevens o Al Di Meola. Y el pequeño pero acogedor sótano-taller del lutier Felipe Conde (Madrid, 1957), en pleno Madrid de los Austrias, frente al Teatro Real, sería uno de los lugares de paso de los amantes de la música. Allí trabaja el guitarrero, de la tercera generación de la familia, junto a su compañero y sus dos hijos, María y Felipe, el futuro de esta casa de lutieres con más de un siglo de vida.

Una guitarra Felipe Conde puede llegar a costar 20.000 euros. ¿Qué tienen de especial estos instrumentos?

Materiales, trabajo y construcción. El trabajo de un lutier es continuo, aquí abajo el tiempo no existe. Contamos con una gran variedad de plantillas y moldes, que utilizaron los anteriores guitarreros de la casa, que solo tenemos nosotros. También utilizamos materiales nobles y sensacionales, como el ébano verde, que logra unos sonidos espectaculares y unas sensaciones diferentes para el guitarrista, o el palo santo de Madagascar. Es un trabajo lento y minucioso, donde todos los detalles importan. Nunca hacemos una guitarra solo, siempre dos, porque en la fase de construcción hay momentos de espera, donde se necesita que fragüe la cola, que seque la madera, y para que no haya tiempos muertos y horas perdidas, mientras una guitarra se deja reposar, cogemos la otra para ir repitiendo los procesos, jugando con las maderas, llevándola hacia donde quieres… Por eso nunca hay dos guitarras iguales.

¿Cuántos instrumentos fabrican?

Tenemos una continuidad de dos guitarras al mes por persona, y somos ocho manos. El trabajo es lento, pausado, artesano y de calidad, produciendo lo mejor que uno sabe. Trabajamos además de forma manual, a veces con herramientas que tenemos que fabricar nosotros mismos porque no existen y, por lo tanto, no se venden. Por ejemplo, un calentador que utilizamos para doblar los aros de la guitarra y llevar la madera a la forma que queremos. También tenemos otras herramientas antiguas que sirven para llegar a ángulos muertos del instrumento y, sobre todo, el hándicap del material. La madera necesita de un secado natural de muchísimos años, algunas incluso de 40. Yo heredé la de mi padre y mis hijos heredarán la mía, y sin ella parte del proceso no se puede hacer.

¿Se valora todo este trabajo?

Aquí no. La artesanía en España no se valora. Nosotros vendemos fuera el 90% de todo lo que fabricamos. De aquí solo se llevan guitarras los profesionales y, muy de vez en cuando, algún aficionado. No podríamos vivir de España, pero esto es algo endémico, porque mis antiguas generaciones vivieron lo mismo. Las mejores guitarras de Domingo Esteso [fundador del taller en 1915] están en Argentina y Estados Unidos; las de mi padre, en Japón, Estados Unidos y varios países de Europa, como Alemania, y las mías también. No valoramos lo que tenemos. Con el flamenco ocurrió lo mismo: cuando Paco de Lucía tocó en el Teatro Real a principios de los setenta ya lo había hecho en otros teatros mucho mejores, y aquí se rasgaban las vestiduras, sin reconocer esta variedad de la música.

No podríamos vivir de España, vendemos fuera el 90% de nuestras piezas

Llama la atención que todo esto ocurra en el país cuna de la música flamenca y la guitarra clásica.

La razón es que no se valora el trabajo, y cuando algo no se valora, no se paga. Aquí se invierte mucho tiempo, mucho dinero en materiales, en aprendizaje y muchas horas de trabajo, y eso es algo que hay que pagar, porque es de lo que vivimos. El trabajo del artesano es muy bonito, tiene esa parte apasionada y sentimental, pero si no puedes comer de él, lo dejas y te dedicas a otra cosa, no tienes más remedio. Por eso vamos a ferias internacionales, como la de Fráncfort, la de Los Ángeles u otras de Asia, donde exponemos y tratamos de mostrar nuestro trabajo.

¿Qué significa para un pequeño taller familiar haber fabricado guitarras para Paco de Lucía, Leonard Cohen o Lenny Kravitz? ¿Cómo es trabajar para artistas así?

Que músicos de tal nivel pidan tus instrumentos es bonito, es el mayor orgullo para un artesano. Para trabajar con ellos depende mucho del guitarrista, del estilo de música que toca o si, por ejemplo, dentro del flamenco quiere el sonido tradicional o prefiere otros sonidos más nuevos, con más volumen y fuerza. Y aunque somos nosotros los que trabajamos, y a pesar de que el lutier deja en cada guitarra su marca personal por su forma de tratar la madera y resto de elementos, es el artista el que manda. Pero con los músicos de este calibre ocurre algo que no es normal, y es que son más fáciles que cualquier otro cliente, sorprendentemente. Cuanto mejor es el guitarrista, más facilidad tiene para elegir la guitarra, ve antes que ninguno si un instrumento le vale o no, si el sonido le gusta o es el que verdaderamente busca. Paco de Lucía y Leonard Cohen fueron de los clientes más fáciles con los que he trabajado. Paco llegaba, probaba tres o cuatro guitarras, y se llevaba una.

Cuanto mejor es el guitarrista, más facilidad tiene para elegir intrumento

Felipe Conde ha cumplido más de 100 años de vida. ¿Tiene futuro la artesanía?

De momento tenemos demanda y cola de espera. Los países tradicionales, como Estados Unidos o Alemania, siguen comprando, y se van añadiendo otros como Japón y Australia, que se van educando poco a poco en la materia. Yo soy la tercera generación del taller, pero hay una cuarta, con mis hijos, que se están formando y, tras haber estudiado sus respectivas carreras, están trabajando aquí. Lo importante es que mantengamos nuestra trayectoria guitarrera y el conocimiento en este trabajo, que es lo más importante, sobre todo porque un artesano nunca se deja de formar. Yo sigo aprendiendo. Yo heredé el taller de mi padre y mis hijos lo heredarán.

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Cmo disfrutar de la Documenta de Kassel y no morir de arte en el intento | Viajes

La dcimo cuarta edicin de la exposicin culmina el 17 de septiembre.

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Esade: La escultura, un medio para alcanzar un fin | Fortuna

El arte en su esencia es innovación y no es menos en el caso de la escultura, en el que se crean técnicas para superar nuevos retos. Un arte antiguo, ya que los primeros seres humanos construían formas en piedra antes de pintar las paredes. Ya en ese momento, la escultura exigía tecnología y artesanía, porque su objetivo es modelar obras tridimensionales, piezas que pueden ser fieles a la realidad de nuestro mundo, que también es tridimensional.

El legado que nos han dejado las civilizaciones antiguas es, a menudo, una herencia meramente artística e histórica, y en muchos casos, nos cuesta imaginar cómo la obra de arte podría haber sido creada por los maestros de la época. Las habilidades, la artesanía o la tecnología nunca han sido el fin, sino el medio para alcanzar el fin más artístico. El objetivo último es provocar una emoción.

Bellas artes y gestión empresarial

Sección elaborada por profesores de Esade que analiza diferentes ramas de las bellas artes bajo la óptica de las lecciones que pueden extraerse para el management.

Bruce Beasley es uno de los escultores más reconocidos de nuestra época, con obras que se encuentran en las colecciones permanentes de algunos de los museos más emblemáticos. Algunos ejemplos son el Museo de Arte Moderno y el Guggenheim de Nueva York, el Centro Pompidou en París, el Museo Moderno de Arte de San Francisco o el Museo Islámico de El Cairo, entre otros.

La escultura es su oficio, y la forma, su medio. Su visión impulsa la técnica y, como ocurría con los antiguos maestros, cuando su arte pide una nueva técnica, Beasley debe inventar un nuevo proceso para que esta se haga realidad. La determinación de dejar que la técnica sirva al mayor propósito del arte le llevó a inventar un método para moldear acrílico en espesor que la industria plástica nunca había imaginado posible a pesar de las pruebas que dicha industria había llevado a cabo.

Hace un par de años tuve la fortuna de visitar con mi familia el taller de Bruce Beasley, en Oakland (California, Estados Unidos). Nos hizo una visita de su jardín de esculturas y nos mostró los diferentes espacios de su taller donde sus ideas se convierten en obras de arte. Espacios lo suficientemente grandes como para construir y alojar sus piezas más monumentales.

En su estudio, adyacente a la sala donde modela sus ideas mediante software de diseño asistido por ordenador (CAD), se encuentra su colección de cráneos del mundo animal. Los niños fueron desafiados a reconocer los cráneos. Reconocer el del cocodrilo no era difícil, en cambio, sí lo era con el del rinoceronte o el de la jirafa

Bruce encuentra en los cráneos la perfección de la forma a la que aspira en sus esculturas. La naturaleza, para él, es la perfección y su inspiración en todas las obras. Sin embargo, nunca trata de imitarla; siente que cada cráneo es una representación de la perfección de la naturaleza y no se puede hacer mejor. No comienza a trabajar en una escultura con una idea clara de cuál podría ser el resultado. Más bien, como él mismo explica, comienza con una forma y deja que la escultura le guie: “Procedo aditivamente, construyendo sobre las formas iniciales, y cuando la escultura ya transmite emoción, empiezo a quitar algunos elementos poco a poco. En algún momento, la emoción se vuelve plana; cuando eso sucede, reemplazo esa última pieza y la escultura está ya terminada”.

Bajo su estudio, donde trabaja en sus diseños CAD, tiene una gigantesca impresora 3D, capaz de imprimir piezas de hasta 3m x 3m x 2m. Desde hace ya varios años se apoya en esta técnica para trabajar, ya que le permite realizar unas esculturas de formas intrincadas que serían imposibles de levantar de cualquier otra manera. En el momento de nuestra visita, Bruce estaba trabajando en una exposición encargada por Carl Bass, el entonces consejero delegado de Autodesk. La exposición Coriolis sirvió para explorar nuevas formas posibles gracias al uso del diseño CAD y las técnicas de impresión 3D. La exposición iba a ser exhibida primero en la Galería Autodesk en San Francisco.

Carl Bass, un visionario, había creado con Autodesk en San Francisco un espacio para incubar nuevas empresas y ayudar emprendedores a dar vida a sus ideas. Pier 9 es un taller enorme que empodera sus residentes con todas las herramientas que constituyen la vanguardia o state-of-the-art de la fabricación digital. Bass elige juntar a expertos y artesanos de muchos campos, y no olvida que la inspiración de los artistas es la fuente de cualquier innovación.

Pier 9 reúne tecnologías y herramientas para dejar campo libre a las mentes de los innovadores. Las obras de un escultor nos recuerdan que el artista y el emprendedor comparten un reto y un destino similar, en el cual ser pionero, a menudo, puede significar ser relevante. En nuestra época, en la que la empresa se inventa constantemente, ¿podría ser que el directivo o emprendedor deba moldear su gestión sobre la de un artista? Asumiendo riesgo, y prototipando sus ideas hasta que resulta un producto listo para encontrar su mercado.

Matthieu Laverne es fundador y director del Fab Lab de ESADE creapolis

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