La rehabilitación reclama su hueco en la recuperación del sector | Mi dinero

Cuando estalló la crisis inmobiliaria, expertos y empresas constructoras quisieron ver en la rehabilitación el nicho de negocio que relevaría a la nueva promoción como motor de crecimiento. Desde el Gobierno central llegó incluso a legislarse de modo que fuese más sencillo poner en marcha planes de renovación urbana de barrios enteros. Sin embargo, más de cuatro años después de las modificaciones llevadas a cabo, la recuperación es ya un hecho en el mercado de la vivienda y la rehabilitación sigue sin encontrar su hueco.

De todo ello debaten hasta el próximo día 24 distintos expertos en la IV edición de la Semana de la Rehabilitación, organizada por el Colegio de Aparejadores, Arquitectos Técnicos e Ingenieros de la Edificación (Caateeb) de Barcelona. El presidente de este colegio profesional, Jordi Gosalves, recuerda a CincoDías que desde esta institución “venimos creyendo en la rehabilitación desde hace muchos años, en los buenos tiempos y en los malos”. Considera que, aunque el sector parece haber salido de la crisis y ya es noticia que se inicien cada vez más promociones, “la obra nueva está muy concentrada en determinados lugares y, por ello, es bueno que vuelva a hablarse de la rehabilitación como actividad refugio”.

Este convencido defensor de que las ciudades no pueden seguir creciendo eternamente de forma horizontal consumiendo más suelo reconoce que aún existen muchas trabas legislativas para que la rehabilitación sea atractiva al promotor.

“La normativa continúa constituyendo una de las principales trabas para que se pongan en marcha más proyectos de renovación tanto a nivel de comunidades de propietarios como planes de rehabilitación de grandes áreas urbanas”, argumenta. En este sentido, Gosalves admite que las Administraciones públicas entienden la necesidad de poner las herramientas regulatorias necesarias para hacer atractiva la rehabilitación a los promotores, pero a la hora de pasar a la acción son lentas y carecen de recursos suficientes.

Medidas propuestas

No obstante, estima que no todo se resolvería simplemente invirtiendo más dinero. Así, los aparejadores han propuesto a las autoridades de la Generalitat de Cataluña exhibir en los edificios que superen la inspección técnica una placa que así lo acredite, como ya ocurre con las pegatinas que deben mostrar los coches como prueba de haber superado la ITV. “Con esta acción tan sencilla, estamos convencidos de que se podría generar una conciencia social que ahora no existe. Lo mismo hemos planteado con el certificado energético”, asegura el presidente de los aparejadores de Barcelona.

De esta manera, creen que todo sería mucho más transparente y unos edificios competirían con otros por no quedarse al margen de cumplir con los parámetros de seguridad, confortabilidad y eficiencia energética.

Junto con la falta de conciencia social sobre lo importante que es mantener el patrimonio inmobiliario, el acceso a la financiación es otra de las asignaturas pendientes en el fomento de la rehabilitación.

“Estamos a la espera de que se concreten las nuevas fórmulas que negocia el Gobierno con la banca. Pero, además, creemos que hay otras posibilidades, como la colaboración público-privada, por la que las empresas pueden participar de forma activa como ocurre en otros países y obtener cuantiosos réditos”, argumentan desde el colegio de aparejadores.

Aunque las rentabilidades del pasado es probable que no vuelvan, estos profesionales defienden que rehabilitar puede llegar a dar tantos beneficios como la promoción de obra nueva. Mientras llegan los cambios normativos y los nuevos créditos que reclama el sector, lo cierto es que las cifras oficiales que publica el Ministerio de Fomento demuestran que los visados para rehabilitación y reforma de casas y edificios continúan sin repuntar. En 2016, el inicio de proyectos de reforma de edificios apenas creció un 1,05%, mientras los relativos a viviendas lo hicieron un 2,67%. Las cifras de este año, disponibles hasta julio, no hacen ser mucho más optimistas.

Otros temas de relevancia

Cultura a favor del mantenimiento. Los expertos en rehabilitación coinciden en que todavía hay mucho por hacer en el fomento de la cultura del mantenimiento. La sociedad no es consciente de los ahorros energéticos que puede obtener si lleva a cabo una correcta conservación de su casa y del edificio donde esta se ubica.

Protección contra incendios. La elección de los materiales adecuados para promover la protección pasiva contra incendios es otra de las cuestiones que fueron debatidas por los expertos. El debate abordó lo sucedido el pasado mes de junio en Londres, en el incendio de la torre Grenfell, donde murieron 80 personas en un inmueble que ya había sido rehabilitado.

Eficiencia energética. A pesar de que se están llevando a cabo ejemplos de buenas prácticas en materia de rehabilitación energética de edificios, los asistentes a las jornadas celebradas en Barcelona subrayaron la escasa pedagogía que han llevado a cabo las Administraciones públicas al respecto. Así, cuando se implantó la obligatoriedad de que todas las viviendas que se vendieran o alquilaran dispusieran de certificado energético, no se explicó a la ciudadanía las ventajas de contar con una mejor calificación. “El ciudadano solo percibió que era un coste más que debía asumir y nadie le explicó las ventajas, el tiempo que tardaría en amortizar el gasto y los ahorros que obtendría”, coincidieron los aparejadores.

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El retrato del ao | Cultura Home

‘Inmigrante rescatado’, de Csar Dezfuli.

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Juan José Brugera, el curioso emperador del mercado de oficinas | Compañías

Un hombre esencialmente curioso. Así se define Juan José Brugera (Badajoz, 15 de octubre de 1946), presidente de Inmobiliaria Colonial, que ha lanzado esta semana una opa por la socimi Axiare, especializada en alquiler de oficinas en Madrid. Brugera es uno de los artífices del saneamiento de Colonial, tras una larga trayectoria en banca, y un breve pasado como ingeniero. Pero lo que más le apasiona es el arte y la historia de Bizancio.

Desde pequeño mostró un gran interés por las humanidades, pero también por la técnica, y decidió estudiar ingeniería técnica industrial, en su especialidad de electrónica industrial. Trabajó dos años en Grundig, participando en el desarrollo de la TV en color, y cuando llegó el momento de decidir si iba a Toulouse (Francia) a estudiar un grado superior del ramo, optó por cambiar de oficio.

“El mundo empresarial te lleva a la gestión”, explica por teléfono, con un verbo amable y encantador. “Me parecía que esto me ofrecía mayores posibilidades de realizarme, y no quería encerrarme en el mundo técnico, que por otro lado es muy atractivo. No va con mi carácter”.

Así que estudió un MBA en Esade y entró en el área comercial de Banco Atlántico, donde estuvo hasta 1975, cuando pasó a Sabadell, en la zona de Barcelona. Los 12 años que trabajó en esta entidad los recuerda como “muy intensos”. Participó en el desarrollo de herramientas de gestión más sofisticadas para contrarrestar “el adelgazamiento de los márgenes”.

Su siguiente parada, entre 1987 y 1994, fue la de consejero delegado de Sindibank (Sindicato de Banqueros de Barcelona), una pequeña entidad a cuya salida a Bolsa contribuyó. “Fue una experiencia nueva”, recuerda. También participó en la integración en Monte dei Paschi di Siena.

“En 1994, La Caixa me propuso hacerme cargo de Colonial, para modernizar la compañía y sacarla a Bolsa”. Así lo hizo, y a partir de 1999 centró la compañía en comprar edificios de oficinas de zonas prime de Barcelona y Madrid, y empezó su proceso de internacionalización, con la compra de Société Foncière Lyonnaise. En 2006 la compañía pasó a manos de GrupoInmocaral, y Brugera salió de ella.

Estuvo un año en Mutua Madrileña como director general (“un grupo estupendo”), pero al poco volvió a la inmobiliaria. “Los bancos que habían financiado la venta a Inmocaral tomaron el control, ante la desastrosa situación de la compañía, y me pidieron volver”.

“Me traje a Pere Viñolas como consejero delegado, propusimos capitalizar un 50% de la deuda y la empresa salió adelante”, capeando la crisis económica e inmobiliaria. El secreto, dice, es que pese a todo la tasa de ocupación de su cartera de oficinas nunca bajó del 80%.

En 2014 lograron una ampliación de capital, con la incorporación del grupo Villar Mir y Qatar, y ahora la empresa está saneada, y se permite opar a Axiare, de la que ya posee un 29%. La dirección de la opada ha recibido la oferta con frialdad:“Nos pronunciaremos en su debido momento”.

Colonial afirma que la oferta, de 18,50 euros por acción (el viernes cerró en 18,30) es “voluntaria”.  El grupo fusionado tendrá activos por valor de 9.794 millones de euros y una cartera de 1,7 millones de metros cuadrados de superficie en explotación.

A Brugera le gusta destacar también su trayectoria en la sociedad civil: 15 años como profesor de Esade, presidente de su patronato entre 1999 y 2006, y desde el año pasado preside el barcelonés Círculo de Economía, que lleva tiempo pidiendo diálogo en el conflicto catalán, y respeto a la legalidad. “Fuera del euro hace mucho frío”, decía hace dos años sobre el asunto. El presidente de Colonial llegó a Barcelona desde Extremadura siguiendo a su padre, funcionario de Correos, e hijo de un destacado socialista represaliado.

Casado, tiene ya cuatro nietos de sus tres hijas. Y lo que más disfruta es viajar y estudiar el arte del Este de Europa: Grecia, Rusia… “En España desconocemos bastante esa zona”, señala. “He dado bastantes conferencias sobre el tema, pero me presento siempre como aficionado”.

La pasión surgió hace 25 años, en un viaje con su familia a la isla griega de Patmos, donde se asienta el monasterio de San Juan. “Compré un icono y me llamó la atención. Luego cayó un libro sobre arte, historia y teología, y desde entonces”.

Es dueño de la mayor colección de iconos de España, pinta paisajes al óleo –sobre todo en verano, a partir de fotografías– y financia una revista de filosofía. Lee una hora diaria como mínimo, y sus gustos tiran hacia el centro de Europa, como Stefan Zweig. A sus 71 años, su curiosidad por el mundo sigue intacta.

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Hockney regresa al Guggenheim con 82 retratos (y un bodegón) | Fortuna

Si en 2012 inundó las salas del Museo Guggenheim de Bilbao con sus paisajes, David Hockney (Bradford, Reino Unido, 1937) regresa cinco años más tarde a la capital vizcaína, con 82 retratos y un bodegón, en colaboración con la Royal Academy of Arts de Londres. Todas las obras, dispuestas en una misma sala de la pinacoteca, tienen algo en común:son del mismo tamaño (121,92 x 91,44 centímetros), fueron pintadas en un marco temporal de tres días y muestran al modelo sentado en la misma silla, iluminado por la luz brillante del sur de California y con el mismo azul intenso de fondo. Se trata de una visión íntima del panorama artístico de Los Ángeles, donde el artista regresó en 2012, tras abandonar su Yorkshire natal, y de las personas que se han cruzado en su camino a lo largo de los últimos años.

En el verano de 2013 pintó el primer retrato, el germen de lo que acabaría convirtiéndose en un extenso grupo de más de 90 retratos, 82 de los cuales permanecen, desde el día 10 y hasta el 25 de febrero, en Bilbao. Hockney, que no asistió hoy a la presentación de la muestra, pero según la comisaria de la misma, Edith Devaney, la estaba siguiendo desde su domicilio estadounidense, concibe estos retratos de forma colectiva, como un solo corpus artístico. La instalación plantea un recorrido casi cronológico que permite realizar otro estudio psicológico: el del propio artista. Su estado emocional parece aligerarse a medida que avanza la serie, al igual que su convicción en el formato y el medio.

Entre los modelos, todos ellos elegidos entre sus amigos, familiares y conocidos, se encuentran personas de su estudio, otros artistas como John Baldessari, comisarios y galeristas como Larry Gagosian, el arquitecto Frank Gehry y hasta la misma comisaria de la muestra. “Los famosos están hechos para la fotografía. Yo no hago famosos. Mis famosos son mis amigos”, advierte el artista. Gracias al virtuoso tratamiento de Hockney, la uniformidad de los elementos clave de cada pintura acentúa las diferencias entre los distintos modelos, permitiendo que sus personalidades surjan del lienzo con una cálida inmediatez.

Mediante esta exposición, en un momento de proliferación de los selfies y los retratos fotográficos en las redes sociales, Hockney reexamina el papel del retrato pintado en una instalación intensa y envolvente. “No ha utilizado la fotografía como ayuda para hacer estos retratos. Todo aquel que posa para Hockney no puede sonreír, solo mirarle, es así como se puede conocer el carácter de una persona, como también se descubre en la manera que tiene de colocar los pies”, explicó durante la presentación Devaney.

La nota diferente de la misma, el bodegón, obedece a que en una ocasión uno de los modelos no pudo acudir a la cita y el artista, deseoso de pintar, recurrió a lo que tenía más a mano en su estudio, una selección de frutas y hortalizas, para realizar su retrato. Sobre los proyectos inmediatos de Hockney, la comisaria avanzó que, a sus 80 años, se encuentra inmerso en un proyecto artístico, “que va a ser importante, revisitando temas del pasado, con lienzos rectangulares, reinterpretando el Gran Cañón…”Y detalló que se encuentra en perfecta forma: “para su vida diaria reconoce que está mayor, pero que cuando se pone a pintar siente que tiene 30 años”.

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Las utopías frustradas de Julie Mehretu llegan a Santander | Fortuna

El punto de transición entre el mar y la tierra en el que se encuentra El Centro Botín acoge desde este jueves, 12 de octubre, la exposición Una historia universal de todo y nada de la artista etíope Julie Mehretu. Se trata de la retrospectiva más importante sobre la obra de la pintora, afincada en Nueva York, que se celebra en Europa hasta la fecha. Una muestra de 30 pinturas y 60 dibujos, que comprenden desde su primera etapa artística hasta sus lienzos en gran formato de estructuras más complejas.

El trabajo de Mehretu habla sobre las preocupaciones contemporáneas con claras referencias a las revueltas surgidas durante la Primavera Árabe, a la guerra civil siria y a la creciente brutalidad del racismo en Estados Unidos que ha desembocado en el movimiento Black Lives Matter (Las vidas negras son importantes). En palabras del director artístico del Centro Botín, Benjamin Weil, “su obra es una forma de representar muy bien el mundo actual, pues guarda una relación muy estrecha con el caos de hoy en día”.

La crítica a las utopías también esta presente en la muestra. Mehretu, nacida en 1970, huyó de Etiopía en 1977, tras la revolución fallida que derivó de la dictadura. Sus padres venían de una generación que soñaba con una vida mejor, una vez que la dictadura terminase. Sin embargo, a ella le tocó vivir la frustración de que ese cambio no llegara a producirse, una transición que se refleja igualmente en la obra de la artista. Mientras que sus primeras pinturas recogen un dibujo arquitectónico, en el que predominan el uso del color y la sucesión de capas y marcas, estas referencias van desapareciendo para dar lugar a piezas llenas de energía, donde el trazo es el aspecto más importante y el gris, el color predominante.

Para Mehretu, los tonos oscuros, lejos de ser una respuesta pesimista, brindan un espacio para la esperanza. “Es reconocer que ha habido un fracaso, pero que ese revés también abre la puerta a las nuevas posibilidades que pueden surgir en el futuro”, explicó la pintora, durante la presentación de la exposición. Considera el espacio gris un hueco para crear de nuevo. Se trata de un principio que ejecuta durante la elaboración de sus propias obras, en las que, con frecuencia, borra o desdibuja sus propios trazos para continuar creando.

De esta idea bebe también el nombre de la exposición. La pintora confesó haberlo elegido por “lo abierto que es, y por la idea de que tenemos una historia, un pasado, pero también nuevas posibilidades para avanzar”. Algo que le resulta complicado exponer con palabras, pues trata de ser casi algo más allá del lenguaje. “Hay que crear un idioma nuevo con el que navegar por estos tiempos tan convulsos”. Para Weil, se trata precisamente de esta capacidad para reinventar el lenguaje de la pintura lo que convierte a Mehretu en una de las artistas más reseñables de su generación.

La muestra se organiza conjuntamente con el Museo de Arte Contemporáneo de Serralves (Oporto), donde se expuso previamente, y podrá visitarse en El Centro Botín hasta el 25 de febrero de 2018. El interior de la institución, inaugurada a principios de verano, está completamente bañado por luz natural, lo que dota a la muestra de una apariencia más impactante. Durante la presentación de la exposición, la artista confesó hallarse fascinada, pues “nunca había visto las obras expuestas así”.

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Uterqüe: El arte comienza a dar que hablar en la moda de gran consumo | Fortuna

La relación entre la moda y el arte no es nueva. A principios del siglo XX creció un vínculo entre modistos y artistas de vanguardia, dejando ver que ambos mundos se nutrían mutuamente. “Sirvan de ejemplo el maridaje entre Poiret con Raoul Dufy, Picasso y Chanel con los ballets rusos de Diaghilev, Leó Bakst con Jeanne Paquín y la artista Sonia Delaunay, que consideraba la moda una forma más de expresión artística”, explica la profesora de cultura y moda de ISEM Fashion Business School, Amalia Descalzo. Estas aventuras, que continuaron marcas como Gucci, Prada, Hermès o Loewe se basaron, en su mayoría, en composiciones para desfiles o presentaciones, y de vez en cuando, en colaboraciones entre artistas y diseñadores para las colecciones.

Hoy, ya no son solo las firmas exclusivas las que recurren a estas técnicas. Una de las últimas en subirse al carro ha sido Uterqüe, la marca de alta gama del grupo Inditex, aliándose con varios artistas que han participado tanto en el diseño de la nueva colección otoño-invierno como en la decoración de sus establecimientos. La artista barcelonesa Clàudia Valsells, especializada en el color, ha sido la elegida para el diseño de prendas, y parte de su legado se encuentra en estos modelos. “Ha sido todo un reto porque Uterqüe es una marca de gran impacto. Analicé lo que me transmitía a mí como mujer y como amante de la moda, así como la colección a nivel de texturas, tejidos y colores, y la temporalidad y el tipo de cliente de la firma”, cuenta.

Con todos estos elementos y las directrices del equipo creativo que dirigía el proyecto, decidió qué tipo de lenguaje plástico iba a utilizar: “Trazos de formas orgánicas irregulares con una paleta de colores cálida que se complementara con los tonos de la colección”. La firma no se ha quedado solo en esto, y ha recurrido a las obras de otra artista barcelonesa, Regina Giménez, para decorar uno de sus establecimientos en Barcelona, en el Paseo de Gracia. “No es la primera vez que trabajo con una marca de moda, porque ya lo hice hace años con la diseñadora Isabel Marant, creando una serie de estampados en varios vestidos de una de sus colecciones”, anticipa.

Uno de los modelos de la nueva colección de Uterqüe, en la que ha participado Clàudia Valsells.
Uno de los modelos de la nueva colección de Uterqüe, en la que ha participado Clàudia Valsells.

Esta vez, con Uterqüe, las cosas han sido distintas. La pintora ha creado varias obras para exponer en los locales de la marca, algo que también ha supuesto un reto. “Las galerías son un cubo blanco y no hay nada que perturbe en ellas. Aquí, los colores, las formas y las luces invaden todo el espacio, por lo que hubo que excluir muchos colores, bajar la gama y utilizar líneas más simples”. El resultado ha sido una muestra que se complementa con los modelos de la colección, y que previsiblemente viajará a Madrid para decorar uno de los locales de la capital.

Estas colaboraciones contribuyen a borrar la cada vez más tenue frontera entre arte y diseño

Todas estas iniciativas contribuyen a derretir la barrera, cada vez más tenue, entre las dos industrias. “La idea utópica de que el arte englobaba a un sinfín de disciplinas que no deberían separarse es cierta”, argumenta Giménez, algo que corrobora la docente de ISEM: “Creo que hace tiempo que se han desterrado los viejos prejuicios que dividían las artes, haciendo desaparecer esa frontera”. Para Clàudia Valsells, el paso también es lógico, ya que la globalización ha llegado también a su industria, ampliando sus disciplinas, plataformas y vertientes. Además, ambos sectores salen beneficiados. Los artistas, como reconocen Valsells y Giménez, ganan visibilidad, la posibilidad de encarar nuevos retos y llegar a un público muy diferente al haber salido de sus circuitos habituales. Por su parte, las marcas de gran consumo ganan reputación y diferenciación. “Asociarse con el arte repercute en mayor prestigio y en una mayor notoriedad como marca”, afirma Amalia Descalzo.

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La historia oculta de una exposición de arte | Fortuna

En la década de 1920, las pinturas del barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza formaban la colección privada más importante del mundo después de la reina Isabel II de Inglaterra. Años después, en el año 1989, el barón Thyssen-Bornemisza y España firmaron un acuerdo para alojar en el Palacio de Villahermosa esta colección privada de pintura, dando paso al nacimiento a la actual pinacoteca, que esta semana cumple su 25 aniversario y que acaba de conseguir la categoría de Museo Nacional.

Pero el acuerdo fue mucho más allá, y buceó en varios asuntos que, aunque a simple vista no se perciben, condicionan la calidad de una exposición y de las obras expuestas: estos son los criterios específicos para el control del medio ambiente de la muestra, la medición de la temperatura, de la humedad, de la filtración de aire, de los niveles de iluminación, así como unos exigentes niveles de seguridad. Detrás de todo esto está la consultora de ingeniería y arquitectura ARUP, quien se ha encargada de desarrollar todos estos procesos.

“Con el acuerdo de préstamo de los cuadros vinieron después las condiciones que teníamos que cumplir para el diseño de los sistemas y condiciones ambientales del palacio”, explica el director de ARUP, Tudor Salusbury. La firma, que también ha realizado proyectos con la Ópera de Sidney o el Centro Botín de Santander, entre otros, ya había trabajado con la familia Thyssen en Villa Favorita (Lugano, Suiza). Un escenario no tiene que ver con otro, y las condiciones del museo madrileño poco tienen que ver con las diferencias ambientales suizas, ni con las condiciones del edificio ni con las de la propia ciudad. “Las obras se deben conservarse a una temperatura concreta siempre, normalmente a 24 grados en verano y a 20 grados en invierno, haciendo que el cambio entre estaciones sea lo más suave posible. En la conservación de cuadros es más importante que no haya modificaciones bruscas de temperatura”.

La humedad es uno de los puntos más problemáticos, ya que la recomendación internacional es que haya un 50%

Lo que dio más problemas, sin embargo, fue la humedad: a nivel internacional las recomendaciones oscilan entre mantener unas condiciones del 50% de humedad, algo que en países del norte de Europa es mucho más fácil que en el centro de España. “Aquí, estos son niveles de humedad difíciles de conseguir”, por lo que hubo que recurrir a las nuevas tecnologías y a sistemas de ambientación para mantener una situación estable dentro del museo. “Estos factores también se tienen en cuenta, incluso en el propio traslado de las obras de arte, que han de viajar en compartimentos individuales estancos”. Pero si algo tenía el palacete que alberga al Thyssen era un problema de luminosidad, otro de los factor clave a la hora de instalar una exposición de arte. De los 18.500 metros cuadrados de superficie construida del museo, algunos cuentan con luz natural y otros tienen que complementarse con iluminación artificial. “El grado de luminosidad tiene que estar en torno a los 200 lux, que es la medida internacional utilizada para analizar la intensidad lumínica”. Por tanto, tuvo que tener en consideración aquellos espacios que se valían por sí mismos con la luz natural y aquellos que necesitaban un complemento, no solo para una mejor experiencia por parte de los visitantes, sino también por la propia conservación de las obras.

Otro punto importante es el de la seguridad, más aún en edificios históricos como este, en los que no se cuentan con todas las garantías. “Tuvimos que analizar la posible vibración de las paredes y de los techos, y ver si toda la estructura estaba preparada para albergar un museo de esta talla, así como implantar de forma correcta las instalaciones mecánicas y eléctricas”, afirma Salusbury. Tampoco hay que olvidarse de incendios, inundaciones… “Para ello diseñamos una duplicidad de sistemas, y que así, en caso de fallo de cualquier tipo, hubiese una doble cobertura y no se dependiese de un solo sistema de seguridad”. Esta es la intrahistoria que hace que las obras de arte luzcan majestuosas.

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Pablo Genovés: “En España hay una intención política de silenciar las artes” | Fortuna

Como espectador, observa su obra como un conjunto “duro, angustioso. Una llamada de socorro”. Es Pablo Genovés (Madrid, 1959), uno de los artistas fotográficos españoles más reconocidos a nivel internacional, que acaba de estrenar la muestra Las mutaciones polifónicas en el Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa (MAC) de A Coruña, después de haber expuesto en la catedral de San Pablo de Londres. Una selección de 63 obras que resumen sus últimos ocho años de creación, centrados “en las contradicciones de los humanos, nuestra capacidad de destrucción: la contraposición de lo bello y lo terrible”, con los efectos del cambio climático como hilo conductor.

¿Cambia mucho el sentido de sus obras cuando las observa como espectador?

Es lo más bonito de ser artista, cuando ves el trabajo colgado y dices: este soy yo. Es un ejercicio casi psicoanalítico. Es reconfortante ver cada obra hablando por sí misma. Es extraño porque cuando estás trabajando vas de una en una, por mucho que quieras pensar en el conjunto de una exposición. Cuando lo ves todo en un mismo espacio, el impacto es diferente. Todas hablan al unísono, un impacto en distintos acordes. Una polifonía, como el nombre de la muestra.

¿Qué le ha impactado más?

El hecho de que la idea de las obras es casi la misma, pero viven una transformación no consciente. Veo que me estoy yendo hacia un diálogo con las obras, protegiendo unas con marco, desnudando otras. Son juegos contradictorios que hablan del final de la obra original, que hoy está en cuestión. Con Instagram, WhatsApp, vemos obras reproducidas millones de veces. Es la destrucción del documento original, y de eso también hablo.Pero en ello pienso a posteriori, cuando estoy trabajando no soy consciente. Son obras que no necesitan palabras. Hay muchas palabras en el arte, las visitas guiadas… Todo eso sobra.

¿Cómo ve un artista fotográfico la fiebre por Instagram y la imagen?

Me sugiere que es un tiempo acelerado. Vivimos a una velocidad en la que no hay tiempo para la reflexión. Hay muchas modas en torno al arte y en todas las disciplinas humanas. Los artistas pasan a una velocidad tremenda, consumimos imágenes todo el rato. Reivindico ir a los museos, a las exposiciones, allí paras el tiempo y te encuentras a ti mismo. En mis obras hay muchas más lecturas que la del cambio climático. Las heridas que todos llevamos las podemos ver en obras de otros. Es lo que yo quiero cuando voy a una sala.

Un país que quiere tener futuro debe tener artistas críticos y no solo exposiciones facilonas

¿Qué papel tiene hoy la fotografía como disciplina artística?

En España, en los años noventa, un grupo de gente empezamos a introducirla, y hoy tiene un reconocimiento, porque la fotografía posibilita una cercanía, se ve siempre como una ligazón muy real con la vida. Hoy en el arte está todo abierto, hay artistas que hacen fotos, se mezclan disciplinas…

¿Resulta difícil hacer montajes ambiciosos en España?

Poder acceder a un lugar como el MAC es un lujo. Desde todos los puntos de vista. La cultura engrandece a un país. Si piensas que el dinero que inviertes en ella lo estás tirando haces un país de tercera. Un país que quiere tener futuro debe tener artistas que cuestionen ideas, que sean críticos, que experimenten. Muchas cosas que después usamos la sociedad las inventan los artistas, son sus propuestas de investigación. Si no tienen posibilidades de hacerlo, la sociedad es más cateta. En España parece que todo es turístico, las exposiciones tienen que ser fáciles de entender, agradables, porque si no, no valen. Y no tiene que ser así. Debe haber sitios para investigar, para cuestionar la sociedad, la vida, el ser humano…

¿Hay cantera en España?

Aquí se están haciendo las cosas muy mal. Estamos todos medio emigrados, los fondos han desaparecido. Si eres un artista español, lo tienes muy difícil. En el centro de Europa se da al arte una importancia que en España se ha quitado. La crisis ha sido terrible y se nota. En diez años no va a haber nadie. Si te quedas aquí, estás muerto profesionalmente. Se ha hecho mal, con desprecio y con ganas de hundir. Es una situación dramática y el panorama es terrible.

¿Por qué que se ha llegado hasta ahí?

Es una intención política para silenciar las artes. Una cerrazón, gente que no sabe y no delega, pero no quieren y les da igual. Las exposiciones que se hacen son solo turísticas, facilonas. Hay una actitud antiarte. O eres culto o no lo eres, se nota en todo, hasta en la iglesia. La exposición de la catedral de San Pablo (Londres) es un ejemplo. Allí, o en Alemania, el nivel de discusión y cultural es maravilloso, nos llevan 30 o 40 años. Soy muy pesimista. Lo de Cataluña es lo mismo, incultura. Cuando las personas no son cultas se convierten en fanáticos, en ambos lados. El nacionalismo, las posturas radicales y la sinrazón vienen siempre de la incultura.

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Artesanía: Kiko Requena: “Hoy en día es complicado encontrar buenos artesanos” | Fortuna

La historia de Café Leather Supply va ligada a una amistad de la infancia, la de dos jóvenes emprendedores madrileños: Miguel Sánchez, de 28 años, y Kiko Requena, de 27 años. El primero estudió Administración de Empresas y vendía camisetas; el segundo, Periodismo, y vivía en Melbourne (Australia), donde trabajaba como corresponsal para una emisora de radio. “Hasta que Miguel me contactó por Facebook, porque quería que habláramos por Skype, con la idea de montar un negocio sobre mochilas”. Fue el germen de todo lo que llegó más tarde: vieron que el mundo de la piel estaba en manos de unos pocos empresarios, “que hacían siempre lo mismo, y vimos que había un nicho de mercado, dentro de un sector inmóvil desde hacía 30 años”, recuerda Requena, quien comparte con su socio un pequeño espacio de 35 metros cuadrados en un popular barrio de la zona norte de Madrid, del que esperan mudarse a otro más espacioso.

Lo que sí tuvieron claro desde un primer momento fue que el negocio se sostendría sobre tres pilares: la búsqueda de lo auténtico, la atención a los pequeños detalles y el respeto por las cosas bien hechas. Con 38.000 euros de capital, a los que tuvieron que sumar otra pequeña cantidad posteriormente, arrancaron en la primavera de 2015 Café Leather Supply, una marca de artículos y complementos de piel de curtición vegetal hechos de manera artesanal en Ubrique (Cádiz). Ahora tienen rondándoles business angels y posibles inversores, ya que necesitan unos 200.000 euros para seguir creciendo. “Sin buscarlo, nos están llamando a la puerta; lo que queremos es poder hacer viable el proyecto”.

No pretenden ser solo una empresa de marroquinería, sino que desean dotarla de personalidad, vincularla al mundo del motor (de hecho, han realizado la tapicería de piel de una moto para el exfutbolista Xabi Alonso) y al sector de la restauración, para el que están diseñando proyectos. El perfil de cliente al que dirigen sus productos de piel es de un profesional de entre 30 y 45 años con un nivel adquisitivo medio alto, “al que le gusta tener algo exclusivo”, afirma este emprendedor, que solo necesita para trabajar una pizarra blanca en la que anota todas las directrices a seguir, piezas de piel y un bote de café.

Reconocen que lo más difícil de todo el proceso de arranque de la empresa fue encontrar a los artesanos. “Es complicado encontrar hoy día buenos profesionales que hagan artesanía con la que marcar la diferencia”, asegura Requena, quien considera que hoy día “todo el mundo cree que es emprendedor, se ha creado una burbuja”. El siguiente paso es internacionalizar la firma. “El trabajo artesanal se valora más fuera de España

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Rehabitar Madrid: el ladrillo que sí genera actividad | Compañías

La construcción se recompone poco a poco de los escombros a los que quedó reducida durante la crisis económica y financiera en España. Un sector cuya actividad representaba más del 10% del PIB y que ha llegado a caer a la mitad, fruto del estallido de una burbuja inmobiliaria que se llevó por delante millones de empleos y miles de compañías.

En esa paulatina recuperación, aún lejos de los niveles precrisis, el segmento de la reforma y la rehabilitación de viviendas y edificios supone un impulso determinante. Según los datos de la Asociación Nacional de Distribuidores de Cerámica y Materiales de Construcción (Andimac), la reforma del hogar representa el 80% de la actividad de la construcción en España. El año pasado se movieron 15.200 millones de euros en reformas y rehabilitaciones, y según las previsiones de la citada asociación, se espera que la cifra esté por encima de los 16.100 millones de euros en dos años. En Madrid, en 2016, fue de 1.884 millones de euros, cantidad que este año alcanzará los 1.989 millones de euros, según el Observatorio 360º de la vivienda y la reforma en el hogar realizado por la consultora Arthursen para la propia Andimac.

Y es en Madrid, en la céntrica plaza de España, donde se celebra desde hoy la feria Rehabitar Madrid, Espacio para la Reforma y Rehabilitación de tu Vivienda, organizada por Ifema, donde 90 empresas, entidades y organismos darán a conocer a los vecinos de la capital las mejores ideas para la reforma y rehabilitación de la vivienda. Una edición con carácter especial fruto del acuerdo de Ifema y el área de Gobierno de Desarrollo Urbano Sostenible del Ayuntamiento de Madrid, gracias al cual también se informará sobre el conjunto de medidas adoptadas por el consistorio para mejorar las condiciones de accesibilidad, conservación y eficiencia energética de las casas, así como su estrategia para establecer un nuevo modelo de ciudad.

La feria está compuesta por un espacio expositivo de acceso gratuito, con las últimas soluciones en ventanas, suelos, puertas, materiales de construcción, ascensores, climatización, iluminación o domótica, a las que se sumará la oferta de empresas de reformas, interiorismo, entidades financieras, organismos y asociaciones. En paralelo, se llevará a cabo una amplia programación de acciones divulgativas, que pretenden servir de concienciación a los vecinos de Madrid sobre los objetivos y beneficios de la reforma y rehabilitación de edificios, espacios y hogares con criterios de confort, ahorro, eficiencia y accesibilidad.

Una actividad en torno al mundo de las reformas que se extenderá hasta el domingo.

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